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Célèbre pour ses chemins iconiques, le travail de Hyun Joung Lee reflète ses souvenirs d'enfance en Corée du Sud, ses études en beaux-arts à l'université Sejong de Séoul et sa formation d'orfèvre à Paris. Elle a développé son propre langage artistique et ses propres techniques tout en travaillant avec des matériaux coréens traditionnels.Célèbre pour ses chemins iconiques, le travail de Hyun Joung Lee reflète ses souvenirs d'enfance en Corée du Sud, ses études en beaux-arts à l'université Sejong de Séoul et sa formation d'orfèvre à Paris. Elle a développé son propre langage artistique et ses propres techniques tout en travaillant avec des matériaux coréens traditionnels.
Lee Hyun-Joung
Corée du Sud
Hiro Ando est un artiste japonais célèbre pour son œuvre sculpturale unique qui ne ressemble à rien de ce qui existe actuellement sur le marché. Cet artiste multidisciplinaire crée des œuvres d'art qui facilitent une conjonction spéciale de l'ancien et du nouveau. Pour ce faire, Ando s'appuie principalement sur le traditionnel maneki-neko, qui signifie "chat porte-bonheur" dans la culture de masse japonaise, un motif que Hiro construit dans des figures de formes diverses, comme celles des samouraïs, des lutteurs de sumo ou des robots.Hiro Ando est un artiste japonais célèbre pour son œuvre sculpturale unique qui ne ressemble à rien de ce qui existe actuellement sur le marché. Cet artiste multidisciplinaire crée des œuvres d'art qui facilitent une conjonction spéciale de l'ancien et du nouveau. Pour ce faire, Ando s'appuie principalement sur le traditionnel maneki-neko, qui signifie "chat porte-bonheur" dans la culture de masse japonaise, un motif que Hiro construit dans des figures de formes diverses, comme celles des samouraïs, des lutteurs de sumo ou des robots.
Hiro Ando
Japon
Le parcours de Nicolas Dubreuille vers l'art est sinueux : après des débuts dans la communication visuelle, un travail de graphiste et une pratique intensive de la céramique, il se consacre à la sculpture sur toile vers le milieu de l'année 2010. Son art s'est progressivement soumis au langage de la géométrie en lui insufflant un esprit ludique, excluant l'austérité souvent associée à cette forme d'art.Le parcours de Nicolas Dubreuille vers l'art est sinueux : après des débuts dans la communication visuelle, un travail de graphiste et une pratique intensive de la céramique, il se consacre à la sculpture sur toile vers le milieu de l'année 2010. Son art s'est progressivement soumis au langage de la géométrie en lui insufflant un esprit ludique, excluant l'austérité souvent associée à cette forme d'art.
Nicolas Dubreuille
France
Pour Rogelio Manzo, la pratique du portrait est plus qu'un moyen de capturer une ressemblance. Ses images sombres et fascinantes de la figure humaine reflètent un mélange d'influences culturelles, ainsi qu'une préoccupation sous-jacente pour la fragilité de la vie. Dans son travail, Manzo cherche à révéler le caractère de ses sujets lorsqu'ils sont "forcés" d'être eux-mêmes. Il va sous la couche protectrice de la peau du corps, qui enregistre tous les événements personnels qui marquent l'être humain, pour révéler sa fragilité et son inévitable mortalité.Pour Rogelio Manzo, la pratique du portrait est plus qu'un moyen de capturer une ressemblance. Ses images sombres et fascinantes de la figure humaine reflètent un mélange d'influences culturelles, ainsi qu'une préoccupation sous-jacente pour la fragilité de la vie. Dans son travail, Manzo cherche à révéler le caractère de ses sujets lorsqu'ils sont "forcés" d'être eux-mêmes. Il va sous la couche protectrice de la peau du corps, qui enregistre tous les événements personnels qui marquent l'être humain, pour révéler sa fragilité et son inévitable mortalité.
Rogelio Manzo
Mexique
Gil Bruvel est un artiste visionnaire, capable de traduire des idées complexes et des impressions fugaces en œuvres d'art étonnantes. Sa curiosité pour la condition humaine et le fonctionnement de l'esprit humain est aiguisée par une pratique méditative quotidienne. Son art émerge d'une profonde contemplation d'images, d'émotions et de sensations, qu'il affine continuellement avant de leur donner une forme matérielle.Gil Bruvel est un artiste visionnaire, capable de traduire des idées complexes et des impressions fugaces en œuvres d'art étonnantes. Sa curiosité pour la condition humaine et le fonctionnement de l'esprit humain est aiguisée par une pratique méditative quotidienne. Son art émerge d'une profonde contemplation d'images, d'émotions et de sensations, qu'il affine continuellement avant de leur donner une forme matérielle.
Gil Bruvel
Australie
Ce natif de la ville de Mons né en 1959, est un artiste autodidacte. Attaqué par la surconsommation qui frappe nos sociétés industrialisées, il s'approprie un matériau commun riche en couleurs : la canette de soda commerciale connue de tous, compressée et formatée selon son concept "Transform'Art Kompress ®".Son concept, le "Transform'Art Kompress ®", mêle le recyclage et la beauté artistique.Le père de la canette compressée ses œuvres ont une finesse incroyable par rapport à la matière première banale qui les compose.Aujourd'hui, son art monumental est principalement orienté vers la reconsidération du public à la notion de recyclage et à la quête de sens du rôle de l'artiste dans la société moderne.Ce natif de la ville de Mons né en 1959, est un artiste autodidacte. Attaqué par la surconsommation qui frappe nos sociétés industrialisées, il s'approprie un matériau commun riche en couleurs : la canette de soda commerciale connue de tous, compressée et formatée selon son concept "Transform'Art Kompress ®".Son concept, le "Transform'Art Kompress ®", mêle le recyclage et la beauté artistique.Le père de la canette compressée ses œuvres ont une finesse incroyable par rapport à la matière première banale qui les compose.Aujourd'hui, son art monumental est principalement orienté vers la reconsidération du public à la notion de recyclage et à la quête de sens du rôle de l'artiste dans la société moderne.
Alfredo Longo
Belgique
"Avec mon travail, j'essaie d'explorer le sens des choses et de la vie. Chaque œuvre d'art exprime un message. L'objectif est de susciter une réflexion et d'amener les gens à une plus grande conscience de soi, personnelle et collective. Les sculptures deviennent des symboles et des monuments dans lesquels nous nous reconnaissons, non seulement en tant qu'individus, mais surtout en tant que composantes d'une communauté unique et distinctive. Dont il faut être fier. Dont les valeurs doivent être préservées comme partie intégrante de notre identité. D'où l'interaction de mon travail avec les entreprises, pure expression du Genius Loci et gardiennes du savoir-faire et de la culture qui distinguent chaque territoire du monde. À travers la recherche de la beauté, je cherche des prises concrètes et des émotions positives, pour stimuler les consciences à l'imagination, au rêve et au projet d'un avenir meilleur !""Avec mon travail, j'essaie d'explorer le sens des choses et de la vie. Chaque œuvre d'art exprime un message. L'objectif est de susciter une réflexion et d'amener les gens à une plus grande conscience de soi, personnelle et collective. Les sculptures deviennent des symboles et des monuments dans lesquels nous nous reconnaissons, non seulement en tant qu'individus, mais surtout en tant que composantes d'une communauté unique et distinctive. Dont il faut être fier. Dont les valeurs doivent être préservées comme partie intégrante de notre identité. D'où l'interaction de mon travail avec les entreprises, pure expression du Genius Loci et gardiennes du savoir-faire et de la culture qui distinguent chaque territoire du monde. À travers la recherche de la beauté, je cherche des prises concrètes et des émotions positives, pour stimuler les consciences à l'imagination, au rêve et au projet d'un avenir meilleur !"
Daniele Basso
Italie
Geronimo est toujours en train de se surpasser et d'innover - "Penser que tout ce que vous faites est le meilleur, ce n'est pas moi. Dans la culture amérindienne, on regarde qui vous devenez avant de vous donner un nom tribal. Geronimo est le "Jumping Bull", celui qui saute par-dessus les obstacles.Geronimo est toujours en train de se surpasser et d'innover - "Penser que tout ce que vous faites est le meilleur, ce n'est pas moi. Dans la culture amérindienne, on regarde qui vous devenez avant de vous donner un nom tribal. Geronimo est le "Jumping Bull", celui qui saute par-dessus les obstacles.
Geronimo aka Jumping Bull
USA
Gregory Watin, originaire de France, est internationalement reconnu pour son style "urbain" très particulier. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années. Il prend une photo qu'il utilise comme un croquis. Il s'imprègne de tout ce qui fait la force de ces paysages urbains, il regarde ces structures marquées par le temps et rassemble tous ces éléments afin de construire une atmosphère, un univers autour de ces lieux. Dans son travail, il tente de se les approprier en leur donnant un second souffle de vie. C'est pourquoi il utilise des couleurs vives. Il incruste divers éléments de la nature, bois, cartons, papiers, plexiglas,.....Gregory Watin, originaire de France, est internationalement reconnu pour son style "urbain" très particulier. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années. Il prend une photo qu'il utilise comme un croquis. Il s'imprègne de tout ce qui fait la force de ces paysages urbains, il regarde ces structures marquées par le temps et rassemble tous ces éléments afin de construire une atmosphère, un univers autour de ces lieux. Dans son travail, il tente de se les approprier en leur donnant un second souffle de vie. C'est pourquoi il utilise des couleurs vives. Il incruste divers éléments de la nature, bois, cartons, papiers, plexiglas,.....
Gregory Watin
France
Née en 1978, Juliette Clovis est une artiste plasticienne française vivant dans le sud-ouest de la France. Après des études de droit et d'histoire de l'art à l'Ecole du Louvre, elle travaille dans la communication pendant deux ans. En 2004, elle quitte son emploi, passe une licence professionnelle de graphisme à l'Ecole des Gobelins et décide alors de se consacrer à son art.Née en 1978, Juliette Clovis est une artiste plasticienne française vivant dans le sud-ouest de la France. Après des études de droit et d'histoire de l'art à l'Ecole du Louvre, elle travaille dans la communication pendant deux ans. En 2004, elle quitte son emploi, passe une licence professionnelle de graphisme à l'Ecole des Gobelins et décide alors de se consacrer à son art.
Juliette Clovis
France
Frešo vit et travaille en Tchécoslovaquie et a étudié à l'Académie des beaux-arts et du design de Bratislava et à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail et son approche globale de l'art sont plutôt atypiques, mais ils reflètent en même temps la situation de la société et de la culture. L'artiste crée des concepts et des projets sophistiqués qu'il présente comme des "œuvres d'art" fermées, apparemment simples. Il est souvent critique dans ses œuvres et exprime son mépris de la scène artistique elle-même et de ses processus, mais avec une touche légère, humoristique et ludique.Frešo vit et travaille en Tchécoslovaquie et a étudié à l'Académie des beaux-arts et du design de Bratislava et à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail et son approche globale de l'art sont plutôt atypiques, mais ils reflètent en même temps la situation de la société et de la culture. L'artiste crée des concepts et des projets sophistiqués qu'il présente comme des "œuvres d'art" fermées, apparemment simples. Il est souvent critique dans ses œuvres et exprime son mépris de la scène artistique elle-même et de ses processus, mais avec une touche légère, humoristique et ludique.
Viktor Freso
Tchécoslovaquie
Il utilise des pipettes pour répartir la peinture acrylique sur la toile afin de créer ses sujets, qu'il déforme ensuite en faisant glisser la peinture à l'aide de divers outils, tels que des bâtons et des peignes. Il combine l'expression classique et abstraite de la marbrure avec des figures concrètes.Il utilise des pipettes pour répartir la peinture acrylique sur la toile afin de créer ses sujets, qu'il déforme ensuite en faisant glisser la peinture à l'aide de divers outils, tels que des bâtons et des peignes. Il combine l'expression classique et abstraite de la marbrure avec des figures concrètes.
Mikael Takacs
Suède
Stéphane Braud, né à Libourne en 1955, est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands peintres sous-marins au monde. Il est également surnommé le "pécheur de bleu".Autodidacte, Stéphane Braud commence à peindre à l'âge de 19 ans et voyage en Norvège, en Allemagne et en Tunisie, où il trouve son inspiration. Sa technique de prédilection est alors l'aquarelle sur le vif.Depuis 1974, il parcourt l'Afrique. Il lui a fallu plus de 20 ans de recherches pour enfin restituer sur ses toiles, l'atmosphère du Maghreb. Une promenade dans une belle ruelle pleine de couleurs de la médina de Marrakech, au Maroc, lui a apporté l'inspiration pour ce dernier concept.uniques, ses pots sont d'un réalisme sensible et d'une profondeur incomparable.Stéphane Braud, né à Libourne en 1955, est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands peintres sous-marins au monde. Il est également surnommé le "pécheur de bleu".Autodidacte, Stéphane Braud commence à peindre à l'âge de 19 ans et voyage en Norvège, en Allemagne et en Tunisie, où il trouve son inspiration. Sa technique de prédilection est alors l'aquarelle sur le vif.Depuis 1974, il parcourt l'Afrique. Il lui a fallu plus de 20 ans de recherches pour enfin restituer sur ses toiles, l'atmosphère du Maghreb. Une promenade dans une belle ruelle pleine de couleurs de la médina de Marrakech, au Maroc, lui a apporté l'inspiration pour ce dernier concept.uniques, ses pots sont d'un réalisme sensible et d'une profondeur incomparable.
Stephane Braud
France
Je suis continuellement inspiré par la forme féminine nue. C'est un sujet qui a bien sûr été travaillé par les artistes à travers les âges, mais les innombrables permutations du corps/composition, de l'expression du visage et de la lumière (une fois les vêtements enlevés) constituent pour moi un défi technique et un problème fascinant à résoudre. Je m'inspire également du support dans lequel je travaille : la photographie lenticulaire. C'est un procédé compliqué et coûteux, mais qui permet de capturer le monde et ses sujets dans un mélange étrange et merveilleux de photographie et de sculpture. Si tous ceux qui regardent mon travail étaient, ne serait-ce qu'un instant, transportés dans un état liminal, un état d'entre-deux, j'en serais ravi. La liminalité est un lieu particulier de désorientation temporaire (de son seuil sensoriel). Le médium de la photographie lenticulaire est parfait pour susciter cet état - il s'agit d'une impression bidimensionnelle avec des propriétés illusoires tridimensionnelles, de sorte que pendant un court moment, la perception de la réalité par le public est suspendue. Cette période de suspension est, je crois, importante pour nos esprits, surtout lorsque nous, dans le monde occidental, vivons généralement dans un vide spirituel. Nous avons besoin d'une inspiration magique dans nos vies et j'aimerais partager ce sentiment dans mon travail.Je suis continuellement inspiré par la forme féminine nue. C'est un sujet qui a bien sûr été travaillé par les artistes à travers les âges, mais les innombrables permutations du corps/composition, de l'expression du visage et de la lumière (une fois les vêtements enlevés) constituent pour moi un défi technique et un problème fascinant à résoudre. Je m'inspire également du support dans lequel je travaille : la photographie lenticulaire. C'est un procédé compliqué et coûteux, mais qui permet de capturer le monde et ses sujets dans un mélange étrange et merveilleux de photographie et de sculpture. Si tous ceux qui regardent mon travail étaient, ne serait-ce qu'un instant, transportés dans un état liminal, un état d'entre-deux, j'en serais ravi. La liminalité est un lieu particulier de désorientation temporaire (de son seuil sensoriel). Le médium de la photographie lenticulaire est parfait pour susciter cet état - il s'agit d'une impression bidimensionnelle avec des propriétés illusoires tridimensionnelles, de sorte que pendant un court moment, la perception de la réalité par le public est suspendue. Cette période de suspension est, je crois, importante pour nos esprits, surtout lorsque nous, dans le monde occidental, vivons généralement dans un vide spirituel. Nous avons besoin d'une inspiration magique dans nos vies et j'aimerais partager ce sentiment dans mon travail.
Jeff Robb
ROYAUME-UNI
Le monde immatériel qui émerge dans les assemblages de Dario Tironi est fait de valeurs plastiques, tangibles et durables. Le message véhiculé est universel : la récupération peut devenir un moyen d'expression et une enquête approfondie qui nous permet de dépasser la frontière du contingent. Une explosion de couleurs et une vitalité vibrante distinguent les sculptures de Dario ; le sens ludique et ironique de sa recherche artistique fait de lui un authentique Arcimboldo contemporain.Le monde immatériel qui émerge dans les assemblages de Dario Tironi est fait de valeurs plastiques, tangibles et durables. Le message véhiculé est universel : la récupération peut devenir un moyen d'expression et une enquête approfondie qui nous permet de dépasser la frontière du contingent. Une explosion de couleurs et une vitalité vibrante distinguent les sculptures de Dario ; le sens ludique et ironique de sa recherche artistique fait de lui un authentique Arcimboldo contemporain.
Dario Tironi
Italie
La nature en tant qu'élément clé, point de départ ou objectif final est l'axe actuel de son travail, la recréation de l'universel et de l'intemporel à partir d'éléments réels utilisés comme de simples formes dénuées de sens. L'ordre à partir du chaos ou vice versa. Pas de dictats car tout est imprévisible et changeant.La nature en tant qu'élément clé, point de départ ou objectif final est l'axe actuel de son travail, la recréation de l'universel et de l'intemporel à partir d'éléments réels utilisés comme de simples formes dénuées de sens. L'ordre à partir du chaos ou vice versa. Pas de dictats car tout est imprévisible et changeant.
Manu Muñoz
Espagne
Il a évolué par rapport à son style antérieur qui comprenait un même motif de points d'une seule couleur avec un sujet superposé, alors qu'aujourd'hui, l'élément principal ou le sujet se fond dans le motif de points colorés individuellement, qui demande beaucoup de travail. Pour lui, le motif de points sert de référence aux organismes vivants, aux atomes, c'est-à-dire à l'idée que la matière est constituée d'unités discrètes. Ces points à motifs cohabitent en harmonie. Beaucoup lui demandent "Pourquoi des points et pas des carrés ?" parce que pour lui les points (cercles) continuent à bouger et à rouler, les carrés sont restrictifs.Il a évolué par rapport à son style antérieur qui comprenait un même motif de points d'une seule couleur avec un sujet superposé, alors qu'aujourd'hui, l'élément principal ou le sujet se fond dans le motif de points colorés individuellement, qui demande beaucoup de travail. Pour lui, le motif de points sert de référence aux organismes vivants, aux atomes, c'est-à-dire à l'idée que la matière est constituée d'unités discrètes. Ces points à motifs cohabitent en harmonie. Beaucoup lui demandent "Pourquoi des points et pas des carrés ?" parce que pour lui les points (cercles) continuent à bouger et à rouler, les carrés sont restrictifs.
Dimitri Likissas
Belgique
Olivier Duhamel s'efforce de capturer la beauté et les émotions qu'il perçoit dans ses sujets d'étude, mais son identité d'artiste est en constante évolution et le décrire revient à viser une cible très difficile à atteindre. C'est un artiste prolifique qui a acquis une maîtrise de la forme humaine grâce à des années de pratique de la discipline ancestrale du dessin d'après nature. Il s'est d'abord forgé une réputation de portraitiste méticuleux, puis s'est imposé comme l'un des principaux sculpteurs néo-zélandais pour ses délicates et élégantes figurines en bronze. Cependant, un aspect de sa pratique reste constant dans sa source d'inspiration, le nu féminin. "J'aime beaucoup la danse contemporaine et j'aimerais pouvoir capturer dans mes sculptures autant de beauté et d'émotion que les danseurs peuvent exprimer avec leur corps".Olivier Duhamel s'efforce de capturer la beauté et les émotions qu'il perçoit dans ses sujets d'étude, mais son identité d'artiste est en constante évolution et le décrire revient à viser une cible très difficile à atteindre. C'est un artiste prolifique qui a acquis une maîtrise de la forme humaine grâce à des années de pratique de la discipline ancestrale du dessin d'après nature. Il s'est d'abord forgé une réputation de portraitiste méticuleux, puis s'est imposé comme l'un des principaux sculpteurs néo-zélandais pour ses délicates et élégantes figurines en bronze. Cependant, un aspect de sa pratique reste constant dans sa source d'inspiration, le nu féminin. "J'aime beaucoup la danse contemporaine et j'aimerais pouvoir capturer dans mes sculptures autant de beauté et d'émotion que les danseurs peuvent exprimer avec leur corps".
Olivier Duhamel
France
Dans la vie quotidienne, les gens se retrouvent souvent à remplir et à jouer des rôles. Des rôles qui changent au fil du temps, des rencontres, des situations et des humeurs. La société moderne est de plus en plus constituée de compartiments étanches qui ont pour fonction de regrouper nos rôles dans des classifications préconçues et stéréotypées. C'est au détour de ces questions angoissantes que la recherche artistique d'Ivan Lardschneider émerge massivement pour le sens et la grande capacité évocatrice, capable de nous impliquer et de nous hypnotiser avec sa lucidité presque sarcastique.Dans la vie quotidienne, les gens se retrouvent souvent à remplir et à jouer des rôles. Des rôles qui changent au fil du temps, des rencontres, des situations et des humeurs. La société moderne est de plus en plus constituée de compartiments étanches qui ont pour fonction de regrouper nos rôles dans des classifications préconçues et stéréotypées. C'est au détour de ces questions angoissantes que la recherche artistique d'Ivan Lardschneider émerge massivement pour le sens et la grande capacité évocatrice, capable de nous impliquer et de nous hypnotiser avec sa lucidité presque sarcastique.
Ivan Lardschneider
Italie
Yves Hayat appartient à cette catégorie d'artistes remarquables qui ont quelque chose à dire, et qui le disent avec un tel talent qu'ils marquent de leur empreinte l'art de notre temps. Ses œuvres, modernes et contemporaines, sont pourtant le produit d'une culture profondément classique. Grâce à toutes les techniques qui appartiennent à notre époque : photographie, superposition d'images, etc., il crée une œuvre originale ancrée dans le patrimoine culturel humain mais qui, par la force de ses sujets, transmet toutes les dimensions de notre époque. À travers une démarche strictement artistique, Yves Hayat exprime une pensée philosophique, non pas avec des mots compliqués, mais en s'adressant à nos sens, de manière claire et sans détour. Il présente l'essence de notre condition humaine et de notre époque, en faisant ressortir ses particularités et sa violence.Yves Hayat appartient à cette catégorie d'artistes remarquables qui ont quelque chose à dire, et qui le disent avec un tel talent qu'ils marquent de leur empreinte l'art de notre temps. Ses œuvres, modernes et contemporaines, sont pourtant le produit d'une culture profondément classique. Grâce à toutes les techniques qui appartiennent à notre époque : photographie, superposition d'images, etc., il crée une œuvre originale ancrée dans le patrimoine culturel humain mais qui, par la force de ses sujets, transmet toutes les dimensions de notre époque. À travers une démarche strictement artistique, Yves Hayat exprime une pensée philosophique, non pas avec des mots compliqués, mais en s'adressant à nos sens, de manière claire et sans détour. Il présente l'essence de notre condition humaine et de notre époque, en faisant ressortir ses particularités et sa violence.
Yves Hayat
Égypte
Sorte de bestiaire de la mode, les tableaux de Marc Le Rest mettent en scène des lions, des girafes, des chimpanzés, des zèbres... avec des tenues contemporaines et érotiques en dentelle.Ces peintures s'efforcent de faire revivre un équilibre ténu, spécifique dans les portraits de peintres tels que Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, en Europe du Nord aux XVe, XVIe et XVIIe siècles, l'équilibre entre un minimalisme formaliste appliqué à la représentation du sujet et une application presque obsessionnelle et baroque dans la représentation des détails, notamment dans les costumes.Cette inspiration claire en rejoint une autre, la tradition de la peinture animalière dans l'histoire de l'art, depuis les tableaux de chasse de Snyders ou Van Aelst, les peintures de Catlin, Stubbs, et de l'école anglaise, mais aussi des artistes naturalistes comme Audubon et son héritier le plus contemporain, Walton Ford.Les œuvres de Marc Le Rest évoluent comme des collections de mode où les tenues, dépossédées de la dictature du corps humain, et donc débarrassées de tout " signifiant " et de toute tentation d'identification, sont libres de prendre toutes les formes imaginables pour parer toutes les bestialités. Et, ce faisant, petit à petit, se crée ce qu'il convient d'appeler un "zoo de la mode" particulier.Sorte de bestiaire de la mode, les tableaux de Marc Le Rest mettent en scène des lions, des girafes, des chimpanzés, des zèbres... avec des tenues contemporaines et érotiques en dentelle.Ces peintures s'efforcent de faire revivre un équilibre ténu, spécifique dans les portraits de peintres tels que Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, en Europe du Nord aux XVe, XVIe et XVIIe siècles, l'équilibre entre un minimalisme formaliste appliqué à la représentation du sujet et une application presque obsessionnelle et baroque dans la représentation des détails, notamment dans les costumes.Cette inspiration claire en rejoint une autre, la tradition de la peinture animalière dans l'histoire de l'art, depuis les tableaux de chasse de Snyders ou Van Aelst, les peintures de Catlin, Stubbs, et de l'école anglaise, mais aussi des artistes naturalistes comme Audubon et son héritier le plus contemporain, Walton Ford.Les œuvres de Marc Le Rest évoluent comme des collections de mode où les tenues, dépossédées de la dictature du corps humain, et donc débarrassées de tout " signifiant " et de toute tentation d'identification, sont libres de prendre toutes les formes imaginables pour parer toutes les bestialités. Et, ce faisant, petit à petit, se crée ce qu'il convient d'appeler un "zoo de la mode" particulier.
Marc Le Rest
France
Ryoko Watanabe est une artiste japonaise née en 1973 à Sapporo, au Japon. Elle puise son inspiration dans l'héritage culturel de sa région et dans la puissance des stéréotypes japonais tels que les Sumotori, les Geishas et les guerriers Samourai. Elle exploite ces sujets avec talent et tourne les stéréotypes à son avantage en exploitant leur réputation afin de transmettre un message artistique. On perçoit dans le travail de l'artiste une forte nostalgie et un désir de préserver l'héritage culturel du Japon et ses personnages uniques qui font partie de l'histoire du pays.Ryoko Watanabe est une artiste japonaise née en 1973 à Sapporo, au Japon. Elle puise son inspiration dans l'héritage culturel de sa région et dans la puissance des stéréotypes japonais tels que les Sumotori, les Geishas et les guerriers Samourai. Elle exploite ces sujets avec talent et tourne les stéréotypes à son avantage en exploitant leur réputation afin de transmettre un message artistique. On perçoit dans le travail de l'artiste une forte nostalgie et un désir de préserver l'héritage culturel du Japon et ses personnages uniques qui font partie de l'histoire du pays.
Ryoko Watanabe
Japon
Jimmy Yoshimura est un peintre japonais né en 1981 qui vit actuellement à Tokyo. Il a étudié le design industriel et a commencé une carrière dans une agence de design publicitaire. Il se passionne également pour la peinture, qu'il pratique en parallèle de son travail, pendant son temps libre. Ses premiers dessins représentent principalement des portraits de femmes de différents âges et époques. Il utilise des photographies d'une autre époque et des représentations contemporaines de mangas créant ainsi une association déroutante. De cette façon, il se confronte aux évolutions culturelles qui ont eu lieu. Il oppose les valeurs traditionnelles de ses ancêtres aux nouveaux codes contemporains, d'influence occidentale. Pour parvenir à ses fins, il incorpore des textes japonais, renforçant ainsi l'iconographie manga. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions au Japon et dans le monde entier.Jimmy Yoshimura est un peintre japonais né en 1981 qui vit actuellement à Tokyo. Il a étudié le design industriel et a commencé une carrière dans une agence de design publicitaire. Il se passionne également pour la peinture, qu'il pratique en parallèle de son travail, pendant son temps libre. Ses premiers dessins représentent principalement des portraits de femmes de différents âges et époques. Il utilise des photographies d'une autre époque et des représentations contemporaines de mangas créant ainsi une association déroutante. De cette façon, il se confronte aux évolutions culturelles qui ont eu lieu. Il oppose les valeurs traditionnelles de ses ancêtres aux nouveaux codes contemporains, d'influence occidentale. Pour parvenir à ses fins, il incorpore des textes japonais, renforçant ainsi l'iconographie manga. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions au Japon et dans le monde entier.
Jimmy Yoshimura
Japon
Kaho Nakamura est un peintre dont l'œuvre reflète à bien des égards la façon de penser des jeunes artistes de notre époque. Ces nouveaux venus essaient souvent de franchir les barrières érigées par des artistes plus âgés et plus expérimentés qui pensent être en mesure de fixer des règles pour tous ceux qui tentent de s'exprimer par le biais d'une forme d'art. Naturellement, les jeunes ne sont pas en paix avec de tels concepts. Cela peut bien sûr être attribué à la nature rebelle qui sommeille en chacun de nous, à nos James Deans personnels qui alimentent nos années d'adolescence. Kaho Nakamura est l'un de ces artistes qui tentent de tourner la prochaine page de l'histoire de l'art. Ses peintures représentent des thèmes de la culture moderne en utilisant une méthode frappante à l'huile qui a une forte atmosphère visuelle et englobante.Kaho Nakamura est un peintre dont l'œuvre reflète à bien des égards la façon de penser des jeunes artistes de notre époque. Ces nouveaux venus essaient souvent de franchir les barrières érigées par des artistes plus âgés et plus expérimentés qui pensent être en mesure de fixer des règles pour tous ceux qui tentent de s'exprimer par le biais d'une forme d'art. Naturellement, les jeunes ne sont pas en paix avec de tels concepts. Cela peut bien sûr être attribué à la nature rebelle qui sommeille en chacun de nous, à nos James Deans personnels qui alimentent nos années d'adolescence. Kaho Nakamura est l'un de ces artistes qui tentent de tourner la prochaine page de l'histoire de l'art. Ses peintures représentent des thèmes de la culture moderne en utilisant une méthode frappante à l'huile qui a une forte atmosphère visuelle et englobante.
Kaho Nakamura
Japon
Aya Toshikawa, également connue sous le nom de Lady Kawai, née en 1979 à Kobe, au Japon, a intégré l'animation dans le monde des beaux-arts.L'artiste japonaise est connue pour avoir représenté de magnifiques personnages de mangas, des filles lascives et d'autres sujets provocants qui séduisent l'imagination du spectateur.À l'origine, il s'agissait d'une tendance culturelle typiquement japonaise, mais le concept a rapidement évolué pour devenir le phénomène mondial qu'il est aujourd'hui, se répandant dans de nombreux aspects de la vie moderne, y compris l'art.Aya Toshikawa, également connue sous le nom de Lady Kawai, née en 1979 à Kobe, au Japon, a intégré l'animation dans le monde des beaux-arts.L'artiste japonaise est connue pour avoir représenté de magnifiques personnages de mangas, des filles lascives et d'autres sujets provocants qui séduisent l'imagination du spectateur.À l'origine, il s'agissait d'une tendance culturelle typiquement japonaise, mais le concept a rapidement évolué pour devenir le phénomène mondial qu'il est aujourd'hui, se répandant dans de nombreux aspects de la vie moderne, y compris l'art.
Aya Toshikawa
Japon
Passionné d'art contemporain et urbain, David s'inspire du néoréalisme d'Arman, de César, de J Villeglé, du pop art américain de Warhol, de Robert Rauschenberg et de l'expressionnisme abstrait de Jackson Pollock. Il affectionne particulièrement les thèmes tels que la musique, la photographie, la mode, les graffitis et les icônes. David Zac partage sa passion pour les motos mythiques et les voitures légendaires à travers ses œuvres, où les femmes sont souvent sublimées et sont des personnages essentiels de ses créations.Passionné d'art contemporain et urbain, David s'inspire du néoréalisme d'Arman, de César, de J Villeglé, du pop art américain de Warhol, de Robert Rauschenberg et de l'expressionnisme abstrait de Jackson Pollock. Il affectionne particulièrement les thèmes tels que la musique, la photographie, la mode, les graffitis et les icônes. David Zac partage sa passion pour les motos mythiques et les voitures légendaires à travers ses œuvres, où les femmes sont souvent sublimées et sont des personnages essentiels de ses créations.
David Zac
France
Ces choses que l'on porte et que l'on voit qui sont de l'art en soi. La beauté qui va du simple - des baskets Converse ? -- à l'élégance - chaussures Louboutin, sacs Delvaux, etc. - et donc la beauté inhérente à la célébration de la vie elle-même. Les "Icônes". Mais cet art avait-il un nom ? Faisait-il partie d'un genre. D'un domaine ? Après étude, Michelle a conclu qu'Andy Warhol était animé de la même passion lorsqu'il peignait ses boîtes de soupe Campbell. Une autre source d'inspiration de Michelle était Wayne Thiebaud, un artiste américain du milieu du 20e siècle, largement connu pour ses œuvres colorées représentant des tartes, des rouges à lèvres, des pots de peinture, des cornets de glace, etc. "Lorsque Thiebaud représente ses gâteaux sur des supports à gâteaux, on peut sentir la vie et la joie dans les gâteaux et même dans les supports. " Michelle a également étudié longuement le travail de l'artiste allemand contemporain Sebastian Krüger avec son " Nouveau réalisme pop ". "Pop Art" Peut-être... mais comme ces modèles qui l'ont précédée, Michelle aime la réalité qui se trouve dans le Pop, pas le comique, le satirique ou le cynique.Ces choses que l'on porte et que l'on voit qui sont de l'art en soi. La beauté qui va du simple - des baskets Converse ? -- à l'élégance - chaussures Louboutin, sacs Delvaux, etc. - et donc la beauté inhérente à la célébration de la vie elle-même. Les "Icônes". Mais cet art avait-il un nom ? Faisait-il partie d'un genre. D'un domaine ? Après étude, Michelle a conclu qu'Andy Warhol était animé de la même passion lorsqu'il peignait ses boîtes de soupe Campbell. Une autre source d'inspiration de Michelle était Wayne Thiebaud, un artiste américain du milieu du 20e siècle, largement connu pour ses œuvres colorées représentant des tartes, des rouges à lèvres, des pots de peinture, des cornets de glace, etc. "Lorsque Thiebaud représente ses gâteaux sur des supports à gâteaux, on peut sentir la vie et la joie dans les gâteaux et même dans les supports. " Michelle a également étudié longuement le travail de l'artiste allemand contemporain Sebastian Krüger avec son " Nouveau réalisme pop ". "Pop Art" Peut-être... mais comme ces modèles qui l'ont précédée, Michelle aime la réalité qui se trouve dans le Pop, pas le comique, le satirique ou le cynique.
Michelle Loewinger
USA
Les premières productions de Döring sont influencées par les points forts du Pop Art des années 60 et 70, la présence thématique dans la vie de la famille Döring a influencé le travail du jeune artiste. Personnalités iconiques, personnages révolutionnaires, histoires de bandes dessinées, de marvels et de marques, messages publicitaires, titres, typographie... Les sphères esthétiques dont Döring était constamment entouré ont ensuite été utilisées par l'artiste comme matière première pour concevoir ses propres histoires sur la toile, pour agir comme un révélateur et un formateur de temps, cette approche est toujours au cœur du travail quotidien de Jörg Döring.Les premières productions de Döring sont influencées par les points forts du Pop Art des années 60 et 70, la présence thématique dans la vie de la famille Döring a influencé le travail du jeune artiste. Personnalités iconiques, personnages révolutionnaires, histoires de bandes dessinées, de marvels et de marques, messages publicitaires, titres, typographie... Les sphères esthétiques dont Döring était constamment entouré ont ensuite été utilisées par l'artiste comme matière première pour concevoir ses propres histoires sur la toile, pour agir comme un révélateur et un formateur de temps, cette approche est toujours au cœur du travail quotidien de Jörg Döring.
Jorg Doring
Allemagne

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