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20/09/2023 | 05/11/2023
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ARTISTES

Un large éventail d'artistes et de techniques innovantes avec diverses collections de peintures et de sculptures.
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Célèbre pour ses chemins iconiques, le travail de Hyun Joung Lee reflète ses souvenirs d'enfance en Corée du Sud, ses études en beaux-arts à l'université Sejong de Séoul et sa formation d'orfèvre à Paris. Elle a développé son propre langage artistique et ses propres techniques tout en travaillant avec des matériaux coréens traditionnels.
Lee Hyun-Joung
Corée du Sud
Hiro Ando est un artiste japonais célèbre pour son œuvre sculpturale unique qui ne ressemble à rien de ce qui existe actuellement sur le marché. Cet artiste multidisciplinaire crée des œuvres d'art qui facilitent une conjonction spéciale de l'ancien et du nouveau. Pour ce faire, Ando s'appuie principalement sur le traditionnel maneki-neko, qui signifie "chat porte-bonheur" dans la culture de masse japonaise, un motif que Hiro construit dans des figures de formes diverses, comme celles des samouraïs, des lutteurs de sumo ou des robots.
Hiro Ando
Japon
Le parcours de Nicolas Dubreuille vers l'art est sinueux : après des débuts dans la communication visuelle, un travail de graphiste et une pratique intensive de la céramique, il se consacre à la sculpture sur toile vers le milieu de l'année 2010. Son art s'est progressivement soumis au langage de la géométrie en lui insufflant un esprit ludique, excluant l'austérité souvent associée à cette forme d'art.
Nicolas Dubreuille
France
Pour Rogelio Manzo, la pratique du portrait est plus qu'un moyen de capturer une ressemblance. Ses images sombres et fascinantes de la figure humaine reflètent un mélange d'influences culturelles, ainsi qu'une préoccupation sous-jacente pour la fragilité de la vie. Dans son travail, Manzo cherche à révéler le caractère de ses sujets lorsqu'ils sont "forcés" d'être eux-mêmes. Il va sous la couche protectrice de la peau du corps, qui enregistre tous les événements personnels qui marquent l'être humain, pour révéler sa fragilité et son inévitable mortalité.
Rogelio Manzo
Mexique
Gil Bruvel est un artiste visionnaire, capable de traduire des idées complexes et des impressions fugaces en œuvres d'art étonnantes. Sa curiosité pour la condition humaine et le fonctionnement de l'esprit humain est aiguisée par une pratique méditative quotidienne. Son art émerge d'une profonde contemplation d'images, d'émotions et de sensations, qu'il affine continuellement avant de leur donner une forme matérielle.
Gil Bruvel
Australie
Ce natif de la ville de Mons né en 1959, est un artiste autodidacte. Attaqué par la surconsommation qui frappe nos sociétés industrialisées, il s'approprie un matériau commun riche en couleurs : la canette de soda commerciale connue de tous, compressée et formatée selon son concept "Transform'Art Kompress ®".Son concept, le "Transform'Art Kompress ®", mêle le recyclage et la beauté artistique.Le père de la canette compressée ses œuvres ont une finesse incroyable par rapport à la matière première banale qui les compose.Aujourd'hui, son art monumental est principalement orienté vers la reconsidération du public à la notion de recyclage et à la quête de sens du rôle de l'artiste dans la société moderne.
Alfredo Longo
Belgique
"Avec mon travail, j'essaie d'explorer le sens des choses et de la vie. Chaque œuvre d'art exprime un message. L'objectif est de susciter une réflexion et d'amener les gens à une plus grande conscience de soi, personnelle et collective. Les sculptures deviennent des symboles et des monuments dans lesquels nous nous reconnaissons, non seulement en tant qu'individus, mais surtout en tant que composantes d'une communauté unique et distinctive. Dont il faut être fier. Dont les valeurs doivent être préservées comme partie intégrante de notre identité. D'où l'interaction de mon travail avec les entreprises, pure expression du Genius Loci et gardiennes du savoir-faire et de la culture qui distinguent chaque territoire du monde. À travers la recherche de la beauté, je cherche des prises concrètes et des émotions positives, pour stimuler les consciences à l'imagination, au rêve et au projet d'un avenir meilleur !"
Daniele Basso
Italie
Geronimo est toujours en train de se surpasser et d'innover - "Penser que tout ce que vous faites est le meilleur, ce n'est pas moi. Dans la culture amérindienne, on regarde qui vous devenez avant de vous donner un nom tribal. Geronimo est le "Jumping Bull", celui qui saute par-dessus les obstacles.
Geronimo aka Jumping Bull
USA
Gregory Watin, originaire de France, est internationalement reconnu pour son style "urbain" très particulier. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années. Il prend une photo qu'il utilise comme un croquis. Il s'imprègne de tout ce qui fait la force de ces paysages urbains, il regarde ces structures marquées par le temps et rassemble tous ces éléments afin de construire une atmosphère, un univers autour de ces lieux. Dans son travail, il tente de se les approprier en leur donnant un second souffle de vie. C'est pourquoi il utilise des couleurs vives. Il incruste divers éléments de la nature, bois, cartons, papiers, plexiglas,.....
Gregory Watin
France
Née en 1978, Juliette Clovis est une artiste plasticienne française vivant dans le sud-ouest de la France. Après des études de droit et d'histoire de l'art à l'Ecole du Louvre, elle travaille dans la communication pendant deux ans. En 2004, elle quitte son emploi, passe une licence professionnelle de graphisme à l'Ecole des Gobelins et décide alors de se consacrer à son art.
Juliette Clovis
France
Frešo vit et travaille en Tchécoslovaquie et a étudié à l'Académie des beaux-arts et du design de Bratislava et à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail et son approche globale de l'art sont plutôt atypiques, mais ils reflètent en même temps la situation de la société et de la culture. L'artiste crée des concepts et des projets sophistiqués qu'il présente comme des "œuvres d'art" fermées, apparemment simples. Il est souvent critique dans ses œuvres et exprime son mépris de la scène artistique elle-même et de ses processus, mais avec une touche légère, humoristique et ludique.
Viktor Freso
Tchécoslovaquie
Il utilise des pipettes pour répartir la peinture acrylique sur la toile afin de créer ses sujets, qu'il déforme ensuite en faisant glisser la peinture à l'aide de divers outils, tels que des bâtons et des peignes. Il combine l'expression classique et abstraite de la marbrure avec des figures concrètes.
Mikael Takacs
Suède
Stéphane Braud, né à Libourne en 1955, est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands peintres sous-marins au monde. Il est également surnommé le "pécheur de bleu".Autodidacte, Stéphane Braud commence à peindre à l'âge de 19 ans et voyage en Norvège, en Allemagne et en Tunisie, où il trouve son inspiration. Sa technique de prédilection est alors l'aquarelle sur le vif.Depuis 1974, il parcourt l'Afrique. Il lui a fallu plus de 20 ans de recherches pour enfin restituer sur ses toiles, l'atmosphère du Maghreb. Une promenade dans une belle ruelle pleine de couleurs de la médina de Marrakech, au Maroc, lui a apporté l'inspiration pour ce dernier concept.uniques, ses pots sont d'un réalisme sensible et d'une profondeur incomparable.
Stephane Braud
France
Je suis continuellement inspiré par la forme féminine nue. C'est un sujet qui a bien sûr été travaillé par les artistes à travers les âges, mais les innombrables permutations du corps/composition, de l'expression du visage et de la lumière (une fois les vêtements enlevés) constituent pour moi un défi technique et un problème fascinant à résoudre. Je m'inspire également du support dans lequel je travaille : la photographie lenticulaire. C'est un procédé compliqué et coûteux, mais qui permet de capturer le monde et ses sujets dans un mélange étrange et merveilleux de photographie et de sculpture. Si tous ceux qui regardent mon travail étaient, ne serait-ce qu'un instant, transportés dans un état liminal, un état d'entre-deux, j'en serais ravi. La liminalité est un lieu particulier de désorientation temporaire (de son seuil sensoriel). Le médium de la photographie lenticulaire est parfait pour susciter cet état - il s'agit d'une impression bidimensionnelle avec des propriétés illusoires tridimensionnelles, de sorte que pendant un court moment, la perception de la réalité par le public est suspendue. Cette période de suspension est, je crois, importante pour nos esprits, surtout lorsque nous, dans le monde occidental, vivons généralement dans un vide spirituel. Nous avons besoin d'une inspiration magique dans nos vies et j'aimerais partager ce sentiment dans mon travail.
Jeff Robb
ROYAUME-UNI
Le monde immatériel qui émerge dans les assemblages de Dario Tironi est fait de valeurs plastiques, tangibles et durables. Le message véhiculé est universel : la récupération peut devenir un moyen d'expression et une enquête approfondie qui nous permet de dépasser la frontière du contingent. Une explosion de couleurs et une vitalité vibrante distinguent les sculptures de Dario ; le sens ludique et ironique de sa recherche artistique fait de lui un authentique Arcimboldo contemporain.
Dario Tironi
Italie
La nature en tant qu'élément clé, point de départ ou objectif final est l'axe actuel de son travail, la recréation de l'universel et de l'intemporel à partir d'éléments réels utilisés comme de simples formes dénuées de sens. L'ordre à partir du chaos ou vice versa. Pas de dictats car tout est imprévisible et changeant.
Manu Muñoz
Espagne
Il a évolué par rapport à son style antérieur qui comprenait un même motif de points d'une seule couleur avec un sujet superposé, alors qu'aujourd'hui, l'élément principal ou le sujet se fond dans le motif de points colorés individuellement, qui demande beaucoup de travail. Pour lui, le motif de points sert de référence aux organismes vivants, aux atomes, c'est-à-dire à l'idée que la matière est constituée d'unités discrètes. Ces points à motifs cohabitent en harmonie. Beaucoup lui demandent "Pourquoi des points et pas des carrés ?" parce que pour lui les points (cercles) continuent à bouger et à rouler, les carrés sont restrictifs.
Dimitri Likissas
Belgique
Olivier Duhamel s'efforce de capturer la beauté et les émotions qu'il perçoit dans ses sujets d'étude, mais son identité d'artiste est en constante évolution et le décrire revient à viser une cible très difficile à atteindre. C'est un artiste prolifique qui a acquis une maîtrise de la forme humaine grâce à des années de pratique de la discipline ancestrale du dessin d'après nature. Il s'est d'abord forgé une réputation de portraitiste méticuleux, puis s'est imposé comme l'un des principaux sculpteurs néo-zélandais pour ses délicates et élégantes figurines en bronze. Cependant, un aspect de sa pratique reste constant dans sa source d'inspiration, le nu féminin. "J'aime beaucoup la danse contemporaine et j'aimerais pouvoir capturer dans mes sculptures autant de beauté et d'émotion que les danseurs peuvent exprimer avec leur corps".
Olivier Duhamel
France
Yves Hayat appartient à cette catégorie d'artistes remarquables qui ont quelque chose à dire, et qui le disent avec un tel talent qu'ils marquent de leur empreinte l'art de notre temps. Ses œuvres, modernes et contemporaines, sont pourtant le produit d'une culture profondément classique. Grâce à toutes les techniques qui appartiennent à notre époque : photographie, superposition d'images, etc., il crée une œuvre originale ancrée dans le patrimoine culturel humain mais qui, par la force de ses sujets, transmet toutes les dimensions de notre époque. À travers une démarche strictement artistique, Yves Hayat exprime une pensée philosophique, non pas avec des mots compliqués, mais en s'adressant à nos sens, de manière claire et sans détour. Il présente l'essence de notre condition humaine et de notre époque, en faisant ressortir ses particularités et sa violence.
Yves Hayat
Égypte
Sorte de bestiaire de la mode, les tableaux de Marc Le Rest mettent en scène des lions, des girafes, des chimpanzés, des zèbres... avec des tenues contemporaines et érotiques en dentelle.Ces peintures s'efforcent de faire revivre un équilibre ténu, spécifique dans les portraits de peintres tels que Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, en Europe du Nord aux XVe, XVIe et XVIIe siècles, l'équilibre entre un minimalisme formaliste appliqué à la représentation du sujet et une application presque obsessionnelle et baroque dans la représentation des détails, notamment dans les costumes.Cette inspiration claire en rejoint une autre, la tradition de la peinture animalière dans l'histoire de l'art, depuis les tableaux de chasse de Snyders ou Van Aelst, les peintures de Catlin, Stubbs, et de l'école anglaise, mais aussi des artistes naturalistes comme Audubon et son héritier le plus contemporain, Walton Ford.Les œuvres de Marc Le Rest évoluent comme des collections de mode où les tenues, dépossédées de la dictature du corps humain, et donc débarrassées de tout " signifiant " et de toute tentation d'identification, sont libres de prendre toutes les formes imaginables pour parer toutes les bestialités. Et, ce faisant, petit à petit, se crée ce qu'il convient d'appeler un "zoo de la mode" particulier.
Marc Le Rest
France
Ryoko Watanabe est une artiste japonaise née en 1973 à Sapporo, au Japon. Elle puise son inspiration dans l'héritage culturel de sa région et dans la puissance des stéréotypes japonais tels que les Sumotori, les Geishas et les guerriers Samourai. Elle exploite ces sujets avec talent et tourne les stéréotypes à son avantage en exploitant leur réputation afin de transmettre un message artistique. On perçoit dans le travail de l'artiste une forte nostalgie et un désir de préserver l'héritage culturel du Japon et ses personnages uniques qui font partie de l'histoire du pays.
Ryoko Watanabe
Japon
Passionné d'art contemporain et urbain, David s'inspire du néoréalisme d'Arman, de César, de J Villeglé, du pop art américain de Warhol, de Robert Rauschenberg et de l'expressionnisme abstrait de Jackson Pollock. Il affectionne particulièrement les thèmes tels que la musique, la photographie, la mode, les graffitis et les icônes. David Zac partage sa passion pour les motos mythiques et les voitures légendaires à travers ses œuvres, où les femmes sont souvent sublimées et sont des personnages essentiels de ses créations.
David Zac
France
Les premières productions de Döring sont influencées par les points forts du Pop Art des années 60 et 70, la présence thématique dans la vie de la famille Döring a influencé le travail du jeune artiste. Personnalités iconiques, personnages révolutionnaires, histoires de bandes dessinées, de marvels et de marques, messages publicitaires, titres, typographie... Les sphères esthétiques dont Döring était constamment entouré ont ensuite été utilisées par l'artiste comme matière première pour concevoir ses propres histoires sur la toile, pour agir comme un révélateur et un formateur de temps, cette approche est toujours au cœur du travail quotidien de Jörg Döring.
Jorg Doring
Allemagne
Zeedijk 648, Knokke, B-8300
20/09/2023 | 05/11/2023
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sans titre 8
untitled 8
100 x 70 cm
Chemin
Chemin
100 x 130 x 3 cm
VOUS VOUS ET VOUS
YOU YOU AND YOU
190x190cm
Tukugawa
Tukugawa
60 x 80 cm
Contemplation
Contemplation
50 x 80 x 3 cm
Tanatos
Tanatos
40 x 40 x 7 cm

concept

Fondée en 2018 par Florian Araïb dans le centre artistique de la capitale européenne, le Sablon.
La Galerie Sept propose à ses clients une collection éclectique d'œuvres rares et uniques d'artistes reconnus et en pleine ascension, tels que Hiro Ando, Rogelio Manzo, Lee Hyun-Joung, Manu Muñoz et bien d'autres encore.
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